Mikio Naruse est né à Tokyo le 20 août 1905. Issu d'une famille modeste, il découvre dès son plus jeune âge la littérature japonaise. Orphelin très jeune, il quitte l’école à 15 ans et intègre la Shochiku comme accessoiriste, par nécessité plus que par ambition. Il s'ouvre peu à peu au cinéma étranger, notamment européen, mais son inspiration demeure résolument japonaise.

En 1926, devenu assistant réalisateur, il travaille aux côtés de Heinosuke Gosho (qui réalise en 1931 Madame et ma voisine, premier film parlant au Japon). Ce dernier participe en 1930 au montage du premier long-métrage de Naruse, L'Amour c'est la force. Toutefois le jeune réalisateur doit attendre 1932 et la sortie de Réussis, puis de Printemps gâché pour obtenir la reconnaissance de ses pairs.

Prolifique, il alterne comédies et mélodrames (22 films muets de 1930 à 1934) et intègre la Toho (alors Photo Chemical Laboratory) en 1935. Il réalise ainsi son premier film parlant, Trois soeurs au coeur pur, puis l'acclamé Ma femme, sois comme une rose.

Le jeune Akira Kurosawa travaille comme assistant sur Avalanche en 1937. La même année, Mikio épouse la comédienne Sachiko Chiba.

Les premiers films de Naruse révèlent un metteur en scène à l'aise avec la comédie qui, parfois, tend même vers le burlesque ; ils témoignent aussi d'une forte aspiration au bonheur, comme le suggère par exemple la manifeste bienveillance du réalisateur vis-à-vis du progrès.

Mais bien vite le contexte politique et le militarisme envahissant freinent sa carrière, et la guerre y met un terme provisoire. Ces années difficiles vont s'avérer déterminantes dans le regard porté par le cinéaste sur l'humanité. De plus son union malheureuse avec Sachiko, dont naît pourtant un fils, plonge Naruse dans une dépression profonde. La mélancolie s'affirme dès lors au centre de son œuvre.

A partir des années 50, le cinéaste affine sa démarche et se spécialise dans le shomin geki, genre qui vise à dépeindre le quotidien du petit peuple.

Contrairement à la plupart des metteurs en scène de l'époque, il ne se montre guère intéressé par le cinéma de guerre; dans Okuni et Gohei, tourné en 1952, il dresse le portrait d'un samouraï craintif, presque poète, joueur de flûte occasionnel ; son insoumission au code d'honneur des vrais guerriers, son romantisme en font un héros inhabituel, lunaire et poétique.

Tel est le message de ses films : la vie naît des sentiments seuls, qu'il ne faut pas laisser étouffer par des règles et des principes inutiles.

De fait Naruse est un réalisateur engagé. Ses films, sans s’appuyer sur des évènements historiques concrets, constituent une véritable étude des symptômes d’après-guerre.

La famille devient dès lors son thème de prédilection. Dès Le Repas (1951, tiré d'une oeuvre de Hayashi Fumiko), le cinéaste s'attache à dépeindre les crises les plus violentes comme les plus sourdes avec finesse, voire douceur, et une économie d'effets d'une étonnante efficacité. Les mots sont rares, et l’essentiel provient du regard et des gestes, caractéristique probablement héritée de ses débuts dans le cinéma muet.

La parenté avec l'oeuvre intimiste d'Yasujiro Ozu est évidente. A travers l’allégorie de la famille, ses déchirures, ses sacrifices et ses réconciliations, apparaît en filigrane toute une réflexion, parfois violente, sur la société japonaise. Sont ainsi implicitement évoquées la reconstruction ou l’économie instable du pays, à travers la dégradation ou la platitude des relations humaines.

Naruse reste également fidèle à un thème qu’il traitait déjà à ses débuts : la condition féminine. Quel que soit leur âge, les femmes sont les véritables héroïnes du cinéaste, comme en attestent les titres de ses films : Mari et femme, La mère, Frère et sœur mettent en scène des femmes fortes, idéalisées, dotées de la conscience et de la lucidité les plus aiguës. Les hommes, quant à eux, sont régulièrement décrits comme des lâches, des rustres ou tout simplement des êtres inadaptés, en quête de repères.

La Mère résume à lui seul les obsessions et la subtilité de Naruse, proposant une superbe galerie de personnages féminins confrontés à la disparition du fils aîné, puis du père. Avec une économie de moyen et un art de la suggestion peu communs, le cinéaste impose à travers le point de vue d’une adolescente une réflexion cruelle sur les étapes de la vie. On retrouve dans ce film la célèbre actrice Kinuyo Tanaka, mais aussi la fidèle Hideko Takamine.

Le couple est aussi au centre des préoccupations de Naruse, (Un couple, Au gré du courant), souvent décrit à travers le regard des enfants.

Au cours des années 60, le réalisateur reste fidèle à ses obsessions, toujours attaché à dépeindre un univers sobre et poétique où la femme occupe une place essentielle (Quant une femme monte l’escalier en 1960 ou Une vie de femme en 1963). En 1967 sort son dernier portrait de femme, Nuages épars. Naruse meurt le 2 juillet 1969.

Réception publique

Contradictoirement, l'œuvre du cinéaste, teintée d'une sensibilité que l'on serait tenté de qualifier d'européenne, s'est très rarement inspirée de l'Occident. Là où Akira Kurosawa, par exemple, se réapproprie Shakespeare, Gorki ou Dostoëvski pour mettre en scène des contes typiquement japonais, Naruse s'intéresse exclusivement à la littérature de son pays : Saisee Murro, Kawabata Yasunari, et bien sûr la romancière Hayashi Fumiko qu'il adapta à six reprises au cinéma pour Le Repas (1951), L'Éclair (1952), L'épouse (1953), Chrysanthèmes tardifs (1954) et Nuages flottants (1955) est peut-être à l'origine de sa reconnaisance tardive en occident.

Akira Kurosawa et Kenji Mizoguchi sont reconnu dès les années 50, et Yasujiro Ozu en 1978 avec la sortie de Voyage à Tokyo. Naruse devra lui attendre 1993 pour une véritable reconnaissance publique. Certes, Nuages flottants et quelques films sortent dans les années 1983-1985. Mais, l'évènement fondateur est la rétrospective de six films en 1993 : Le Repas (1951), L'Éclair (1952),Frère aîné et sœur cadette (1953), Le grondement de la montagne (1954), Nuages flottants (1955) et Nuages d'été (1958).

La mise en scène de Naruse est parfois comparée à celles de Antonioni et Rossellini car moderne dans sa dédramatisation, ses fins ouvertes et ses personnages saisis dans l'essence du temps quotidien

Si l'univers sociologique et architectural a disparu les rapports homme-femme tels que les analyse Naruse influencent toujours Edward Yang, Hou Hsio-hsien ou Pedro Costa. Chez Naruse le quotidien est différent pour chacun et il analyse ce qui reste et ce qui change pour chacun. Importance aussi de la composition musicale et des scènes où les personnages marchent. Souvent souffrants ces hommes et ces femmes connaissent aussi des moments de joie qui illuminent le cinéma de Naruse.

Bibliographie :

Jean Narboni : Mikio Naruse, les temps incertains, cahiers du cinéma 2006

Ressources internet : Nihon-fr.net , Ecran noir pour nuit blanche

Filmographie partielle :